El pintor Leó Cantillo

Sintaxis de la abstracción

2011-03-09T13:24:00.000-08:00

Con este texto quiero subrayar la relevancia que actualmente tiene la pintura abstracta; en una época en la que claramente se percibe una actitud generalizada por defender a la pintura en general y, particularmente, a la pintura abstracta. En parte, esta actitud es explicable a partir del hecho de la abstracción fue el discurso dominante, aunque no el único, durante todo el siglo XX , actualmente ya no lo es y existen nuevas corrientes e incluso "modas" del arte contemporáneo, que han buscado crear un estereotipo actual, y la muchos caen en la mentira de que el arte abstracto dejo de ser parte fundamental (quizá no una expresión escandalosa) del arte actual

Durante estos últimos cien años, muchos fueron los artistas que defendieron a la pintura abstracta en contra de las formas conservadoras del arte o contra una clase media ignorante que, predeciblemente, podía apreciar únicamente aquellas obras en las que viesen algo reconocible, de fácil comprensión y que pudiesen colocar fácilmente en las paredes de sus hogares. Más ahora nos encontramos en una posición muy distinta, en la que se hace necesaria la realización de un análisis razonado en torno a la abstracción.
En primer término, se puede decir que clásicamente cualquier movimiento avant-garde está precisamente en contra de la posición conservadora de una burguesía que irónicamente tienen el conocimiento, los recursos estéticos e intelectuales cómo para comprender y aceptar las nuevas tendencias artísticas. Sin embargo, la mayor parte de la producción artística contemporánea de aparente avant garde (fundamentalmente instalaciones y videos) que hoy en día recibe la bendición por parte del establishment internacional del arte resulta ser de fácil reconocimiento, entendimiento y de temática conveniente para una cómoda burguesía instalada en el poder político y comercial que lo menos que desea es cambiar; esto es, el conservadurismo siempre se encuentra presente, tan sólo cambia apenas su rostro. Y con esto no defiendo al llamado formalismo.

Aún y cuando para algunos teóricos de la estética el arte contemporáneo no es más que una larga prolongación del modernismo, lo cierto es que aquellos planteamientos de éste movimiento, tales cómo la visión clara de progreso, la autorefencia, la originalidad y la pureza, no son actualmente válidas. Ahora son tantas cosas las que se le demandan a la pintura que resulta imposible situarla dentro de los límites que la visión del modernismo requeriría.

Se pueden cuestionar las formas tradicionales de la abstracción (y su ostensible oposición a la figuración) a la luz de la producción artística contemporánea, más esto no hace irrelevante a la propia abstracción; ya que así como el arte figurativo en todas sus variedades (al igual que la literatura narrativa de ficción) parece nunca agotarse, sobre todo al tomarse en cuenta que el mundo está continuamente transformándose, de maneras tanto obvias cómo sutiles, requiriendo del arte y la literatura para describirlas, las relaciones abstractas que gobiernan al mundo también se encuentran cambiando, y estas relaciones tambien requieren de nuevas formas de representación y documentación.

De aquí que exista la posibilidad de desarrollar una forma de abstracción, híbrida y flexible, que permita abordar simultáneamente los diversos sistemas y puntos de referencia de esta sociedad en continua transformación, una abstracción que contemple la fluidez y la contingencia, el lenguaje, la sintaxis, la historia, la cultura, la metamorfosis estilística y la imagen. Abstracción que puede ser vista cómo un medio para explorar aquello que se resiste a una sencilla explicación visual, cómo una metodología que plantee preguntas más que contestarlas.

Antiguamente el arte estaba integrado en la sociedad, no se le cuestionaban sus propósitos y no necesitaba de una elaborada explicación para validarse. Ahora, a partir de la reciente y aparente perdida del propósito y utilidad sociales del arte, existe una creciente nostalgia por la unidad. durante el siglo XX, muchas de las estrategias de la abstracción fueron intentos, tanto implícitos cómo explícitos, por sustraer a la obra de arte de las múltiples demandas de la sociedad y la cultura, y ligarla a esta idea de unidad a través de lo trascendental, lo sublime y las rigurosas demandas de la lógica y la percepción, cómo lo podrían ser los trabajos de Mondrian, Newman, Rothko, Stella y Ryman. Sin embargo, esta idea de unidad y su inherente autonomía aún tienen una agenda pendiente que tarde o temprano deberá abordarse.

Hoy en día se percibe en la abstracción contemporánea un afán de dislocación y reiteración; existiendo también un proceso de descontextualización semejante al hecho de repetir una palabra hasta el infinito, hasta perder la equivalencia con su significado. Este proceso de descontextualización es una estrategia clásica del formalismo ruso empleada por Shlovsky y otros escritores. En cuanto a nuestra vida diaria, lo nuevo constantemente afecta a nuestra propia descontextualización, por lo que cabría preguntarse si esta descontextualización nos llevaría mas fácilmente hacia la abstracción.

Por otro lado, la informática ha creado una nueva manera de pensamiento visual; acostumbrándonos a sobreponer y desvanecer realidades, cambiarlas rápidamente e incluso autocancelarlas, en un proceso semejante al fluir de las condiciones sociales que prevalecían hacia finales del siglo XIX. De aquí que surja la pregunta de que si ¿esta similitud de condiciones nos conducirá nuevamente hacia la abstracción?

Las artes visuales han proliferado en nuestra vida cotidiana a través de los medios de comunicación y, el pensar visualmente, tanto de una manera práctica cómo abstracta, pareciera ser un prerrequisito indispensable para la participación en la cultura. Incluso, las artes visuales forman ahora un extenso campo de interesante perspectiva si nos salimos apenas de los límites marcados por el arte tradicional. De aquí que quepa preguntarnos acerca de cuál será parte ó característica del arte que lo hace enraizarse en la vida cotidiana, sobre todo del arte que se encuentra más allá de cualquier intento de representación, cómo el diseño gráfico, el industrial y el artesanal que conllevan ese algo que no necesariamente significa lo que representa. Por ejemplo, en el portabotellas de Duchamp, aún y cuando se trata de un portabotellas, no se nos presenta cómo un objeto narrativo que nos haga pensar en su uso asociado a la vida cotidiana. En las artes aplicadas, las formulaciones abstractas coexisten con las ideas utilitarias de una manera extremadamente interesante, algunas veces reforzándose y otras saboteándose entre sí. ¿Es este espacio, entre lo abstracto y lo utilitario, otra forma de abstracción?

Ahora bien, y atendiendo a los postulados de la lógica disfuncional, resulta obvio que ninguna obra de arte puede abarcar todo el extenso campo de las artes visuales, sino que tan solo una muy pequeña parte; de aquí que, por necesidad, cualquier obra de arte sea tan sólo un fragmento que gana coherencia al reflejar, por así decirlo, a aquellos que le rodean. Entonces, ¿en qué contexto un sólo trabajo discreto podrá comportarse al igual que una palabra cualquiera, con una multitud de significados que son temperados y racionalizados por su posición en una oración?; ¿cómo pueden sumarse el fragmento y la fracción al menos provisionalmente?; ¿existirá algo suficientemente maleable en la pintura abstracta cómo para permitir una funcionalidad, una descripción, de la compleja relación que existe entre los sistemas y los objetos?; ¿existe alguna forma del arte que esquemáticamente se convierta en una herramienta útil para el entendimiento de aquello que subyace a la interacción de los sistemas?; ¿una forma del arte que incorpore la incertidumbre y la contingencia de manera tal que pueda tener contacto con los escurridizos significados que se evidencian cuando las complejas fuerzas sociales se encuentran?

El arte visual se puede entender cómo una forma de investigación especulativa, siendo la misma noción de investigación una abstracción también. Esto implica una nesecidad de medir, comprobar, validar y ajustar. Es un intento por balancear y aproximar fuerzas y sistemas que normalmente no son compatibles.
Resulta claro que la cultura crea formas de pensar, sentir y de expresión respecto a las cuales cualquier obra artística debe de relacionarse. Esta relación es una cualidad abstracta, cuya suma crea una gigantesca entidad, también abstracta, que viene a ser una descripción de la realidad; de igual manera que un molde es una descripción de los movimientos que realizaron las manos que lo modelaron, al tiempo que es un reflejo de aquello que fue observado y receptáculo de la forma que se le ha asignado.

Ver a la abstracción cómo un estilo ó una suma de estilos es una actitud limitada y disminuída. La abstracción implica una generación y diferenciación continuas que conducen a una reflexión sin fin; de una clase semejante al éxtasis que Clement Greenberg ha mencionado cómo "el corazón" de lo académico. Sin embargo, el arte académico "bien hecho", autocomplaciente e institucional se encuentra fuera del campo de la abstracción contemporánea, situándose en otros campos artísticos más cercanos a las seducciones del mundo visual comercial.

Regresando al siglo XIX, ¿puede la historia representada en una pintura de Gerome ó Bougereaux competir con el flujo de la historia misma? Pienso que existe actualmente un lugar para la abstracción, si se le considera cómo un medio flexible y sintáctico de exploración gramatical. Es un modo de expresión no condicionado por sí mismo, una forma de arte que abarca a la representación, la belleza, la metamorfosis, la lógica, la forma, la geometría, la gestualidad, la decoración, la funcionalidad, la metáfora, la historia y la crítica.

Nuestros procesos de pensamiento son, después de todo, abstractos. Tiene sentido pensar en el arte cómo una forma visual del conocimiento, al igual que el lenguaje abstracto. Este es un proceso abierto y no cerrado, un proceso autorreferenciado.

Esta situación es, a mi parecer, una causa de optimismo. La gente se encuentra pintando hoy en día y, desde mi punto de vista, una idea reformulada de la abstracción proveería la llave hacia una gran parte de los interesantes trabajos visuales que se realizan actualmente.

Obras disponibles de Cantillo

2011-01-25T10:02:00.000-08:00

Esta es una muestra de las obras disponibles del pintor, mas obras disponibles en su estudio-galería.

Contacto:

e-mail: cavadelarte@gmail.com

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 100cm x 70cm
Título: Alquimia #1 “fuego y tierra”

Obra de la serie “Alquimia”, basado en los círculos de transmutación . La construcción de esta serie, sugiere al espectador una fusión de los elementos primordiales de la alquimia, para transmitir cierto tipo de energía en la forma y en el color. El concepto en mi obra alude siempre el concepto circular en diversas ramas del conocimiento humano.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 100cm x 70cm
Título: Alquimia #3 “agua y fuego”

Obra de la serie “Alquimia”, basado en los círculos de transmutación .
En el caso de esta obra, representa el choque dos elementos como fuerzas creadoras, desenvolviendo un escenario de formas geométricas y contrastes en una fusión posible entre infinitas posibilidades alquímicas.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 70cm x 100cm
Título: Alquimia #4 “fuego y tierra”

Obra de la serie “Alquimia”, basado en los círculos de transmutación .
Cada fusión de elementos puede tener infinitas variantes, este es el acaso de una nueva fusión a diversos porcentajes y aleatoriedad.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 90cm x 110cm
Título: Mándala #1

Un mándala es la representación esquemática y simbólica del macrocosmos y el microcosmos. Los diagramas circulares en cuestión son utilizados en el budismo y el hinduismo. Estructuralmente, el espacio sagrado (el centro del universo), soporte de concentración, es generalmente representado como un círculo inscrito dentro de una forma cuadrangular. (En este caso el cuadro mismo).

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 90cm x 110cm
Título: Mándala #2

Mándala significa círculo en sánscrito. Esta palabra es también conocida como rueda y totalidad.
Más allá de su definición como palabra, desde el punto de vista espiritual es un centro energético de equilibrio y purificación que ayuda a transformar el entorno y la mente.También es un sistema ideográfico contenedor de un espacio sagrado. Todas mis obras refieren el círculo la forma primordial en todos los planos de la existencia.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 90cm x 110cm
Título: Mándala #3

El mándala es una forma de equilibrio. En mis obras, una de las prioridades técnicas es la entronización de los elementos y el color, para lograr transmitir fuerza, vitalidad, movimiento, la fluidez de conceptos que amplíen la riqueza especulativa o interpretativa del observador.

Técnica: Oleo y textura sobre tela
Dimensiones: 80cm x 105cm
Título: Visión futurista

Obra que sugiere el tema de una ciudad diluida entre los colores amarillentos del tiempo, con líneas rectas y curvas que bocetean imágenes arquitectónicas.
Los contrastes y el color transmiten el reconocido equilibrio y dinámica del artista, ofreciendo un concepto amplio en matices colóricos y constructivos.

Técnica: Oleo y textura sobre tela
Dimensiones: 120cm x 120cm
Título: La abstracción del surrealismo

Esta pieza de principios del año 2010, muestra un proceso evolutivo del artista, en el cual abstrae a partir de de una serie de obras surrealistas. Podemos encontrar elementos que revelan la descomposición de un espacio interno arquitectónico, convirtiéndolo en una síntesis geometrizada, de amplio espacio y volúmenes que enriquecen la estructura.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 62cm x 122cm
Título: Teoría del caos

Aquí, al igual que en la obra anterior, podemos identificar la época evolutiva del artista en donde utiliza volúmenes en la geometría como medio de expresar un concepto. Son en definitiva la antesala de su obra mas reciente, en donde el color se intensifica y las formas se separan por sombras y volumen.

Técnica: Óleo y textura sobre tela
Dimensiones: 124cm x 100cm
Título: Principio de la dualidad

Técnica: Acrílico, óleo y textura sobre tela
Dimensiones: 140cm x 84cm
Título: El hombre dormido
VENDIDA

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
Esta serie de obras mantiene un formato compositivo basado en la curva, el círculo y la esfera. Pero en este caso la propuesta conceptual esta vinculada a la interpretación del ser humano contemporáneo.
En este caso, el “Hombre dormido” se refiere al sueño profundo, sumido en un proceso de desintegración. Evidencia al hombre que pierde, sin pensarlo, los aspectos que nos definen como seres humanos, como la conciencia, la espiritualidad y la razón. Pero el sueño también puede representar cambio, una aproximación a un nuevo despertar.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 70cm x 100cm
Título: Desintegración del hombre

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
Podemos apreciar una semejanza con la obra anterior. En donde la persona ignora su propia desintegración. La invasión de medios de comunicación, el estrés cotidiano, las necesidades básicas, el hombre como engranaje de un sistema pierde el concepto de si mismo.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 100cm x 125cm
Título: Máscaras

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
En nuestro sistema de vida actual, siempre adquirimos máscaras como fachada para diversas funciones. Tras las máscara social, (Internet, trabajo, intereses, etc) se esconde el aparente rostro humano, pero sin advertirlo, existe un yo profundo el cual ignoramos continuamente. De ahí que la obra pone en segundo plano un rostro más detallado que el tercero, que apenas lo notamos.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 70cm x 100cm
Título: Diluyéndose en el entorno

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
Una mujer que sufre alguna metamorfosis, causada por los abrumadores cambios de este siglo. No siempre nos desintegramos para desaparecer, si no para renacer, para adaptarnos, para reforzarnos, para evolucionar. En este caso, la mujer mira hacia el futuro y se diluye en la globalidad, en un nuevo concepto espiritual.

Técnica: Acrílico y textura sobre tela
Dimensiones: 90cm x 110cm
Título: Rompimiento de la identidad

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
El retrato de una mujer se fragmenta, como si el viento la soplara como hojas secas.
El concepto de nosotros mismos esta siendo borrado. Sorprendida, por la rapidez del suceso, tan solo espera ser soplada por completo.

Técnica: Acrílico sobre tela
Dimensiones: 105cm x 150cm
Título: Reintegración de la identidad
VENDIDA

Obra de la serie “El ser humano del siglo XXI”.
El salto ha sido dado, una mujer sigue sorprendida, porque puede ver lo que antes era invisible, como nacer de nuevo, como morir y pasar a otro plano, como evolucionar. Cambia el entendimiento, la manera de mirar. Vemos lo que antes ignorábamos.

A continuación, artista con sus obras, como referencia del tamaño de las obras.

Nuevas obras a su disposición:

Propuesta conceptual de la obra

2011-01-17T15:08:00.000-08:00

Concepto de la esfera en la abstracción

Pensando en el Cosmos, en esta extensa e incalculable burbuja de tiempo, materia y misterios, se me ocurre irremediablemente un gran soplido, de la nada, para crear esta pompa de saliva de Dios.

Me remito al Universo, esferoide o toroidal en expansión, que busca, como toda materia, descansar en una forma circular. No hablamos de un Universo Ptolomeico, de medidas y distribución perfectas, aunque quizá, en alguna dimensión no calculada, lo sea. El Universo tiende al equilibrio de masas y energía, en reglas estrictas que llamamos física y matemática. A partir de este gran orden, lo que algunos todavía creen como un caos fortuito, se van organizando las formas en su tiempo determinado, y las ideas de un Creador casi desconocido, van estableciendo un escenario que nosotros, los seres humanos apenas podemos apreciar en una fracción de tiempo y desde nuestra pequeñez, cual molécula de agua en el basto mar.

En la naturaleza, casi todo lo que podemos ver, alude al círculo o la esfera. La arquitectura del Cosmos se manifiesta mayoritariamente en circunferencias… Pienso en las piedras de un río, en los frutos de un árbol, en las flores, en los planetas o en las galaxias.

Aún cuando la luz proyecta líneas rectas a nuestros ojos, no es más que el mismo engaño que ver el horizonte. La curva es parte de todo. Desde el microcosmos, hasta el macrocosmos, estamos erigidos por esferas.

En nuestro entorno artificial, en donde luchamos por reformar la tendencia universal, en un intento fallido en contra de la naturaleza. No se porque, la razón humana es lineal, o cuadrada, quizá es parte de nuestros errores. La evolución se desarrolla con el círculo, como cuando se descubrió la rueda, para utilizarla en nuestro beneficio. Esa evolución la vemos actualmente en la tecnología aerodinámica, en la estética de los utensilios cotidianos, en la arquitectura, en la psicología de Jung. En la química o en la mecánica.

Los círculos están en la antigua sabiduría budista, y en sus Mándalas, el Reiki, en los conceptos de tiempo de Borges, la simbología Celta, los círculos de transmutación de los alquímicos, entre muchos otros ejemplos de la relación del círculo con la mente, el espíritu, la ciencia y la tecnología. Nuestra evolución se dirige a este entendimiento. Al igual el arte. Esta es mi búsqueda y mi estudio en cada una de mis obras.

Así como lo expresa un reconocido arquitecto, Premio Pritzker de 1988 y premio Príncipe de Asturias del año 89, llamado Oscar Niemeyer:

“Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país. En las olas del mar. En el cuerpo de la mujer preferida. De curvas está hecho el universo"

Cuando los seres humanos logremos conquistar el concepto de las circunferencias, en todos los campos, desde el espiritual, el psicológico, hasta el científico y material, podremos alcanzar armonía con nuestro entorno, nuestro equilibrio interior y entender la arquitectura de Dios, en diversas dimensiones.

El círculo es concentración, un portal, una paso dimensional, el conjunto, la unidad, la integración, la construcción, la síntesis. Esta demostrado por diversos estudios, que el círculo en un plano de relevancia visual, transmite serenidad y equilibrio. En test psicológicos se ha atribuido al círculo un vínculo primordial en el ser humano. Sin embargo, este conocimiento ya era sabido por diversas sociedades antiguas, como los nativos americanos y tantas culturas antes mencionadas.

El círculo probablemente es el símbolo místico más usado por los indígenas norteamericanos. El conocimiento del círculo permitió a los indios penetrar más allá del velo de la ilusión sensorial, delinear la consciencia humana y obtener un entendimiento holístico de su entorno. El círculo proporcionó discernimiento profundo sobre la naturaleza del Ser y los ayudó a lograr una unidad de la mente en forma sistemática. El misticismo de los indios americanos tiene mucho que ofrecernos hoy en día. Como una guía para el entendimiento personal, es tan universal en nuestra época, como lo fue hace cientos de años.

Las primeras enseñanzas místicas dada a los niños indios se refieren a la percepción y a la ilusión. Un maestro y un grupo de jóvenes indios pueden ir a orar y sentarse en círculo. Cada niño describe el juego de luz sobre la pluma de un águila colocada en el centro de un círculo. Descubren que hay tantos modos de percibir la pluma como hay un puntos en el círculo. Los niños también aprenden que las percepciones individuales son mucho más complicadas que sólo la posición en el círculo.

La esfera en mi obra representa el vínculo espiritual, la perfección o la búsqueda de tal, tambien puede representar el tiempo. La tri-esfera suele representar un concepto místico de unidad, como Dios (Padre, Hijo, Espiritu), o nuestro ser (cuerpo, mente, espíritu)

Las líneas rectas o el cubo son terrenales, la piedra o la tierra nos vincula con lo tangible. La línea es un concepto materialista racional.

La combinación de estas aparentes contradicciones en mi obra crean un equilibrio y una formación armónica para definir todas las cosas.

Otros comentarios.

“Soy un bohemio caminante, que se pierde en una gota de agua, que sueña un zapato mohoso tirado en medio de las Pléyades, que piensa en círculos de piedra que ruedan sobre hojas marchitas, que se duerme con la cobija embarrada de colores y en la mañana sus manos imprimen huellas en la taza de café...

No busco crear para retratar un bello rostro o un imponente paisaje, estas cosas son solo retos técnicos a los cuales ya enfrenté, y que la fotografía sustituyó hace muchos años.

No así el nuevo mundo que surge a partir del conocimiento y el desarrollo de nuestro Ser, en el cual ya no son indispensables los cotidianos objetos y rostros. No me llevo bien con el realismo, para mi es solo un intento de convertir nuestras manos y ojos una copiadora de mala calidad, lo cual tiene amplias limitaciones conceptuales. Es como la diferencia entre un liviano libro narrativo que leemos en el autobús, y un libro de filosofía, que estudiamos en el refugio de nuestra habitación, lo cual nos deja un nuevo camino que recorrer en nuestra imaginación.

Mi pintura es una propuesta de pensamiento racional y espiritual, en donde busco transformar cada vez más nuestro entorno y convertirlo en una idea... tejer con tubos y piedras una calle que va hacia hacia una palabra olvidada, teclear letras en una tablilla y darse cuenta que estamos enviando una botella en el mar. “

“Estamos en el siglo del cambio racional y del confrontar nuestra propia realidad, tenemos que dudar de esta sociedad, de la ciencia, de las noticias, dudar de las supuestas verdades y del “orden” actual. Dudar de nuestras dudas, de lo que creemos. Esto no significa que no debemos creer, no saber, o no entender. La duda nos lleva a filosofar, a estudiar, a escudriñar y a creer de verdad. Ya no debemos ser repetidores ni domesticados, debemos transformar la visión y revolucionar el pensamiento en pos del progreso del ser humano, en este nuevo milenio."

Es ahora en donde la ambivalencia ideológica debe ser resuelta y encausarnos a nuestra evolución o a nuestra destrucción.

Este cambio existencial es también responsabilidad de nosotros los artistas. Ofrecer un descanso espiritual, una idea que masticar, algo nuevo en un mundo envejecido por las ideas preconcebidas, pese a que muchos se desviaron en modas y clichés de lo que es arte contemporáneo y perdieron toda dignidad y creatividad personal. Se volvieron indiferentes a la necesidad espiritual e intelectual, personal y social y se convirtieron en creadores de lienzos coloridos cuya única finalidad es el dinero.

Los consumidores de verdadero arte saben que una obra significa mucho más que un vago equilibrio de forma y color, o un cheque al portador, si no una propuesta que estimule al observador a la meditación y el sentimiento. Arte significa crear, y para crear es imprescindible hacer algo nuevo a partir de nuestro criterio y conocimiento, no en base a lo comercial.

El arte sufre convulsiones y retrocesos en todas sus áreas, y es cuando precisan nuevos conceptos y revolucionarios del pensamiento. Así en la música, en la literatura, en la arquitectura, en el cine... así en las artes plásticas. Rescatemos al arte, en una sociedad adormecida en humos de insustancialidad y materialismo. Que el arte vuelva a florecer junto a la ciencia y la filosofía, y nos encaminemos a un nuevo renacimiento.”

Atte. Leónidas Cantillo M.

Artista pintor

Curriculum del artista

2011-01-17T15:00:00.000-08:00

Exposiciones

Exposición privada, “ESPÍRITUS REBELDES”

Casa de Arte, ATELIER, Tres Ríos, Cartago, Costa Rica.

Julio, 2001.

Exposición pública, “MEDITACIONES”

Salón “El Ruiseñor”, Tres Ríos, Cartago, Costa Rica.

Diciembre, 2001.

Exposición pública, “LÍNEAS PARALELAS”

Centro Cultural Regional de Toluca, Estado de México, México.

Octubre, 2002.

Exposición semi-privada, “LÍNEAS PARALELAS”

Hotel del Rey, Toluca, Estado de México, México.

Noviembre, 2002.

Exposición pública, “LÍNEAS PARALELAS”

Salón Alpino, Cabaña Suiza, Toluca, Estado de México, México.

Diciembre, 2002.

Exposición semi-privada, “SUEÑOS”

Fraccionamiento, “La Virgen”, Salón campestre, Metepec, Estado de México, México.

Marzo, 2003.

Exposición pública, “INTERVALOS”

Salón Ruiseñor, Tres Ríos, Cartago, Costa Rica.

Diciembre, 2003.

Exposición pública, “ELEMENTOS”

Casa club de golf San Carlos, Metepec, Estado de México, México.

Septiembre, 2005.

Exposición pública, “UNIVERSO COMPARTIDO”

Cámara de Diputados, Toluca, Estado de México, México.

Octubre, 2005.

Exposición pública, “ASTRONOMIA”

Casa club de golf San Carlos, Metepec, Estado de México, México.

Diciembre, 2007.

Exposición privada, “SONIDOS DEL UNIVERSO”

Club Rotario de Toluca, Toluca, Estado de México, México.

Mayo, 2008.

Exposición privada “COSMOS”

Casa de arte Atelier, Tres Ríos, Cartago, Costa Rica.

Noviembre 2008

Participación en el evento “Feria de arte EMBRUJARTE”

San Rafael de Escazú, San José, Costa Rica.

Marzo 2009

VII Festival “Luz de Luna”

Santa Ana, San José, Costa Rica

Marzo 2009

Exposición privada “EL MUNDO DE LAS IDEAS”

En el estudio-galería del pintor, Montes de Oca, San José Costa Rica.

Abril 2009

Participación en evento “V Festival de las artes de Terramall”

Tres Ríos, Cartago, Costa Rica.

Mayo 2009

Exposición privada “ELEMENTOS CÓSMICOS”

Kasasana Salón 1, Montes de Oca, San José, Costa Rica.

Setiembre 2009

ꙩ Participación en el evento “Feria de arte Herradura 2010”

Herradura, Jacó, Puntarenas, Costa Rica.

Marzo 2010

ꙩ Participación en el evento “Feria de arte Embrujarte”

Escazú, San José, Costa Rica. Abril 2010

ꙩ Participación en el evento “VI festival de las artes Terramall”

Tres Ríos, Costa rica. Mayo 2010

ꙩ Exposición pública “La abstracción del surrealismo”

Centro cultural de Mexico, los Yoses. San Jose, Costa Rica

Julio 2010

ꙩ Participación en el evento “I Feria de arte internacional Arte hoy”

Centro comercial Avenida Escazú, Escazú, San José Costa Rica.

Diciembre. 2010

Reconocimientos:

▸ Mención y constancia del Instituto Mexiquense de Cultura, 3 de febrero del 2003.

▸ Mención y constancia de exposiciones, de la Alianza francesa, en Toluca, Edomex, México. El 03 de febrero del año 2003.

▸ Mención honorífica por parte del Diputado Gustavo Cárdenas Monroy, por la exposición “Universo compartido”, en la Cámara de Diputados de México. Comunicado de prensa #1198.

Toluca, Edomex, Mexico. 18 de Octubre del 2005.

▸ Reconocimiento, Club de golf San Carlos, Metepec, México. Por la realización de diversas exposiciones de gran éxito en sus instalaciones. 24 de Noviembre, 2007.

▸ Reconocimiento. Otorgado por el Club Rotario de Toluca, Mexico, por la participación en la sesión #43. Con exposición de arte y comentarios. Toluca, Edomex, México.

14 de mayo del 2008.

Otros eventos:

▸ Subasta de arte en las innstalaciones de “Grupo Roble”. Proyecto de apoyo a la lectura infantil “Pinta Cuentos”

18 de Octubre de 2009

▸ Participación en el Taller “Reencuetros y contrastes” por el artista alemán Franz Spath. Proyecto franco-alemán de cultura por las embajadas de francia y Alemania.

10 de Septiembre, 2010.

▸ Impartición del taller “Muralismo y abstracción geométrica” en la Universidad Hispanoamericana, en el IX Congreso Nacional de Educadores de Artes Plásticas.

▸ Subasta de arte de la Galería Arte Hoy y el Ministerio de Salud. Campaña “Solidarizarte”, con la presencia de la presidenta Laura Chinchilla y varios Ministros. Avenida Escazú, Escazú. San josé, Costa Rica.

25 de Noviembre, 2010

Biografía

2011-01-17T14:56:00.000-08:00

Leónidas Cantillo nace en San José Costa Rica el 21 de Julio de 1979.
Su estudio inicial, se basa en las enseñanzas de su padre, Edwin Cantillo (1939-2009). Sin embargo, desde su infancia, se relacionó con diversos artistas, de diversas disciplinas que rodeaban siempre el “Atelier” de su mentor, con los cuales amplió su criterio plástico y conceptual.
En su adolescencia, dedicaba mucho tiempo trabajando en el taller de su padre, aplicando geso , haciendo bastidores, delineando bocetos, trabajando en sus obras. No fue hasta los 16 años que empezó a pintar sus primeros cuadros.
Su estudio se fundamentó en las directrices de su padre. “Recuerdo cuando el me llevaba esos pesados libros ilustrados de Veermer, Rembrandt, Botticelli, entre otros varios, y me decía; “para pintar, hay que estudiar a los maestros”. Mi madre, nos inculcaba la lectura y la espiritualidad como estandarte de su educación. Me dicen que soy autodidacta, pero siempre tuve una universidad a mi lado, gracias a mis padres. Mis títulos están pintados a mano.”
Las primeras obras de Leónidas, fueron estudios de paisajes, aunque pronto, agregó formas que rompían con la sencillez de la obviedad.
Su técnica fue evolucionando hasta perfeccionar el paisaje y la figura humana, para después buscar su propio estilo personal, desarrollando varios trabajos de temática surrealista, influenciado por sus artistas predilectos en esos años; Magritte, Dalí, Giorgio d'Chiricco y Max Ernst.
Al tiempo, fue introduciendo la geometría, como parte fundamental de su obra, en parte por herencia conceptual de su padre, en parte por tener más acceso a libros de arte geométrico y en parte porque su formación desde la niñez estaba rodeada de estos elementos.
Entre un período que comprende entre el año 2000 a 2003, mantuvo una línea de obras entre el surrealismo y la geometría, pero con una inclinación constante a los conceptos abstractos.
El 9 de Septimebre del 2002, recibió una carta del Instituto Mexiquense de Cultura, invitándolo a hacer una serie de exposiciones, en casas de cultura, del Estado de México, México. Allí inició sus primeras exposiciones de arte en el extranjero, y durante seis meses, a partir de octubre de ese año, mantuvo una serie de eventos de arte en la región.
Poco a poco fue descomponiendo sus conceptos en una abstracción mas libre, pero de amplios contrastes y volúmenes. Entro en una etapa que el artista llama, la “abstracción del surrealismo”. De alguna manera, iniciaba la búsqueda de su propia investigación pictórica, sin los parámetros enseñados.
Desde mediados del año 2003 hasta el 2007, podemos observar mayor libertad de composición, la utilización de formas orgánicas, colores mas puros, la tendencia a la abstracción pero con la utilización constante de rostros o figura humana estilizada.
La etapa de cambio de su obra coincide con su regreso de México, con lo que podemos alegar que fue causada por una fuerte influencia de las tendencias artísticas que pudo apreciar en el país, junto con la fascinación que le provocó el cambio cultural, la arquitectura colonial y contemporánea, el colorido particular de sus pueblos y el poder visitar una gran cantidad de museos de arte que nutrían su experiencia.
El artista queda con la inquietud de mayores experiencias en México, y vuelve en el año 2005. Esta vez, no solo pasea por las ciudades y pueblos, inicia una vida y se casa con una mexicana, violinista de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México. Con ella tiene un hijo en el país. Se convierte en su segunda tierra, e inicia una nueva etapa en su vida.
Cantillo continua la evolución de su obra, con cambios constantes, pero con una linea creativa reconocible, y al paso de pocos años, es claramente observable la reintegración de la geometría en sus obras, pero desde otro punto de partida; la curva.
Fue en Septiembre del 2008, cuando regresa con su familia a Costa Rica y empieza a definir su concepto pictórico basado en el círculo y la esfera.
Dentro de esta temática personal, coexisten los elementos de la esfera y el círculo como tendencia universal de todas las cosas. Materia, tiempo, espacio y espíritu. Todo los campos en la existencia se pueden interpretar por medio de este símbolo universal. “Existe una tendencia natural de curvatura en todas las cosas, incluso en la luz”
En su trabajo podemos apreciar la síntesis de la escena visual, abstrayendo y añadiendo percepciones propias. En algunas ocasiones agrega formas antropomorfas o cotidianas, utiliza también el retrato para imbuirlo de alguna manera, en círculos concéntricos, que dinamizan el sentido estético y racional del rostro, de manera que la figuración se vuelve parte de la abstracción.
Su obra toma en prioridad la geometría circular, como referencia de toda manifestación. “Sin embargo, existe una gran riqueza plástica en la relación de los círculos a las lineas rectas. El cuadro en la tela es de por si, un rectángulo, el cual ya estoy ignorando.”
Juega con los volúmenes, la luz y la sombra y los colores, en un conjunto de “objetos extrapolares”. Toma en cuenta los perfiles básicos de cosas comunes como un reloj, un botón, un desagüe, o una ventana y los transmuta a misteriosas formas que sugieren un camino distinto de observación de “existencia paralela”
“Un rostro o un árbol, son solo formas orgánicas que ya hemos asociado y convertido en nuestra realidad. En el arte, como en todas las cosas y pensamientos, todo es representativo, la realidad es subjetiva, toda obra es relativa según la interpretación. “Ver objetos o escenarios de otro tiempo y espacio, suele confundir a los diletantes y se vuelve de provecho especulativo para los intelectuales, esto ya lo sabían los cubistas, y generaron las corrientes abstractas geométricas, como el orfismo, o el suprematismo”.
Leónidas es un teórico introspectivo, en busca de un equilibrio entre la estética y el concepto, tratando de plasmar la esencia secreta de las cosas, como definía Aristóteles el arte.
Sus obras se reconocen con facilidad. Ha logrado un manejo muy personal, y es claro al observar la pincelada, su paleta, su estilo y personalidad.
A finales del 2010, el artista, ha sintetizado su obra en el predominio de los círculos, inicia un proyecto de ruptura del espacio, en donde las formas ya no están sujetas al lienzo rectángulo. La obra empieza a desbordarse, empieza a aplicar la pintura sobre lámina de manera, cuyas formas son libres y tangibles, la utilización de texturas, que en los últimos años ha tomado mayor importancia en sus obras y el relieve, que sugiere una influencia constructivista.
Las nuevas obras que apenas ensambla en su taller, están libres de los preceptos tradicionales del espacio y se toma la libertad de experimentar sobre paredes, un piso, un techo, o ensambles escultóricos. Añade texturas y colores que tienden a los colres primarios.
Sin embargo no deja la pintura, el acrílico sobre tela, en un bastidor rectangular como soporte, ideal para moverlo y transportarlo fácilmente. Además, como obra plástica romántica, que conserva sus tradicional plano, que se adapta versatilidad con gran a nuestra arquitectura.
“La pintura no deja de ser imprescindible para mi, así como lo es todo mi trabajo. No creo que el arte deje de serlo por mantener parámetros. La creatividad y la autenticidad se puede apreciar en grafito, en pintura, así como en cambios dramáticos del concepto y el soporte o las herramientas tecnológicas actuales. Al final, cada quien define para si el arte. Estamos en tiempos de obras individuales, pero abrumados por los medios, en un mundo cada vez más globalizado. Somos influenciados por muchos factores, pero sintetizamos de manera personal y aportamos con nuestra síntesis, al ser, vivir y hacer de manera sincera y entregada.”

Escribió:

Arturo Castilla

(basado en los apuntes del artista)